Хореографией (от греч. слова Ghorea) изначально называли запись, а затем искусство сочинения танца. Но с течением времени значение данного понятия расширялось и в конечном итоге, в него стали включать все, что имеет отношение к искусству танца, т. е. и классический балет, и народные танцы различных стран мира, и бальные, и все виды современных танцевальных направлений. Под танцем же подразумевают особый вид искусства, заключающийся в выполнении ритмичных, красноречивых движений телом, которые образуют полноценную композицию и исполняются под музыкальное сопровождение.
Хореография, как вид искусства
В целом танец можно назвать старейшим видом искусства, отображающим потребность человека делиться собственными переживаниями, эмоциями за счет движений. Даже первобытные люди сопровождали танцами все важные для себя события: рождение детей, смерть, успешное завершение похода, избрание вождя племени, выздоровление кого-либо и пр. На основе танцев строились различные ритуалы, посвященные вызову дождя, воззванию к божествам для получения богатого урожая, об удачном завершении войны и пр.
За продолжительную историю человечества они претерпевали изменения, отражающие характер и направление культурного развития. Поэтому сегодня известна масса танцевальных видов, стилей и форм.
У каждого народа наблюдается собственная пластика, приемы «укладывания» движений на музыку. При этом язык танца, формировавшийся из типичных для народа жестов, положений рук, ног, головы, корпуса, складывался в соответствии с особенностями жизни этого народа. Поэтому в народных танцах нередко можно проследить как его историческое, так и социальное прошлое, а также особенности и определенные черты менталитета.
Со временем начали формироваться танцевальные па. Они произошли от таких основных видов движений, как ходьба, бег, прыжки, повороты, раскачивания. В результате их совмещения между собой и модернизации образовались традиционные танцевальные па.
Танец, как и любой другой вид искусства, имеет свои характеристики. Это в первую очередь:
ритм – скорость повторения и варьирования основных движений;
рисунок – характер сочетания различных движений при связке их в законченную композицию;
динамика – изменение размаха и напряженности движений;
техника – полнота владения собственным телом и искусность выполнения танцевальных па и позиций.
В большинстве танцевальных направлений важная роль отводится жестикуляции, в частности движениям рук.
При этом средствами выразительности служат не только ритм движений и динамика, но и гармоничность движений и принятия поз, пластика, мимика, темп движений, а также костюм и реквизит. Танец подчинен законам музыкальной системы, поэтому он так же, как и музыкальное произведение, измеряется теми же длительностями.
Несмотря на все это, хореография остается весьма демократичным видом искусства. С ее помощью тело получает возможность высказаться, выразить свою индивидуальность и неповторимость. При этом она позволяет развить творческий и личностный потенциал, помогает справиться со многими комплексами, расслабиться, а также преодолеть страх перед публичным выступлением.
Изначально, точнее, с момента начала развития хореографии, как отдельного вида искусства, созданием постановок занимались танцмейстеры. Они находились при королевских дворах и являлись предшественниками нынешних хореографов. Именно им принадлежит заслуга создания единых стандартов, которые позже стали именовать танцевальным этикетом и используются до сих пор.
Танец в первобытном обществе
Все танцы первобытного общества являются источником всей современной хореографии. В целом их можно разделить на 3 группы, отличающиеся композицией:
Охотничьи – исполнялись для подготовки охотников и представляли собой своего рода тренировку, помогающую развивать такие столь необходимые и при этом базовые виды физической подготовки, как сила, выносливость, быстрота и ловкость. Такие танцы исполнялись четко, с внедрением прыжков и разных акробатических трюков. Им придавался магический смысл, а в основе лежал круг, который отождествлялся с движениями животного и небесных светил. Несколько реже в качестве рисунка танца выбирались линии и прочие геометрические фигуры.
Тотемические – носили изобразительный характер. В их основе лежало подражание животным и мифические сюжеты, а в качестве рисунка так же выбирался круг. Но в этом случае его использовали в качестве символа, объединяющего людей.
Бытовые – представляли собой элементы отдыха или развлечения, так как исполнялись после удачной охоты, завершения военного похода и т. д.
В первобытном обществе танцы уже имели звуковое сопровождение. Чаще всего для задания ритма использовались ударные инструменты, а музыкой служило пение шамана или другого высокопоставленного человека.
Несколько позднее танцы стали трансформироваться и все больше пропитываться национальными особенностями. Особый след в истории развития хореографии оставило наследие таких великих цивилизаций, как Египет, Индия, Китай и страны Юго-Восточной Азии.
Так, например, в Древнем Египте танец больше носил культовое и бытовое значение, а в Индии был пропитан религиозной символикой. В Древнем Китае же танцу отводилась роль обрамления жертвоприношений, при этом в композицию обычно закладывалось составление разных иероглифов. От Древней Греции до нас дошли изображения большого количества поз и движений, по которым современные хореографы смогли реконструировать танцы этой страны.
Кстати, ранняя канонизация танцевального искусства в Индии привела в конечном итоге к созданию индийской классической школы танцев.
При этом в Древней Греции существовала специальная наука Орхестика, включающая религиозные и бытовые сцены композиции. Ей обучались юноши. В ней же возникли первые танцевальные постановки, которые были частью драматического представления. А Платон определил 2 закона композиции танца: соединения движений и гармонии ритма. У него также были достаточно жесткие требования к создателю сценических произведений, включая особенности ритма, музыки и геометрии. Ведь танец имел не только эстетическую роль, но и воспитательную. Поэтому его преподавали во всех учебных заведениях того времени, а непосредственно танцы называли хороводами, хотя это и не предполагало обязательного кругового построения.
Даже в строгой Спарте было место для танцев. Там они носили воинственный характер и приравнивались к общефизической подготовке подрастающих воинов.
Хореографическое искусство Средневековья
Танцевальное искусство неуклонно развивалось, в том числе и в тяжелые средневековые времена, когда существовала инквизиция, запреты на народные и светские зрелища. Но история сохранила для нас образцы первых бытовых танцев, ставшие базой для дальнейшего развития западноевропейских танцев. Это, в первую очередь, бассданс и бранли. Первый танец был достоянием знати и носил медленный, величавый характер. Второй же танцевали крестьяне разных провинций Франции. Существовала масса разновидностей этих танцев, общее количество которых превосходило 300.
Бранли танцевали на всевозможных народных гуляниях. Это искусство передавалось из поколения в поколение и в итоге из него родились такие известные и сегодня бытовые танцы, как менуэт, пасспье, бурре, гавот, ригодон.
В эпоху Средневековья разграничение между жителями сел и городов стали резко заметными. Это не могло не сказаться и на танцах. Подобные процессы происходили в различных европейских странах. Поэтому к XV веку придворные балы стали больше напоминать небольшие спектакли. В них все было подчинено строгому регламенту вплоть до порядка выхода придворных и последовательности танцев. Балом заправляли балетмейстеры.
Некоторые танцы объединялись в один и стали называться балетом. В течение XV—XVI веков популярными стали танцевальные спектакли с простенькими и абсолютно несвязанными между собой сюжетами, в частности интермедии, дивертисменты.
XVI век ознаменовался настоящим прорывом в развитии техники танца, в основном благодаря жонглерам-сказителям эпоса. Они стали носителями профессионального танца, танцевали самостоятельно и преподавали знатной молодежи, руководили хороводами в замках, селах, были организаторами шествий при дворцах и всевозможных религиозных торжествах.
Жонглеры танцевали виртуозно, их танцы были технически совершенными и включали множество акробатических трюков. У них уже присутствовали такие характерные для современного балета элементы, как выворотность ног, натянутость носка, группировка пальцев рук, вогнутость поясницы. Движения жонглеров были резкими и порывистыми.
В то же время в ранних средневековых танцах сохранялась композиция, состоящая из кругов. Поэтому в хороводах танцоры держались за руки или же мужчины держали руки на бедрах, а женщины поддерживали юбки. Основными движениями были скачки и шаги, а весь танец исполнялся под пение. Различали мужские, женские танцы и смешанные, а исполняли в основном кароль, ригодон, бранль и фарандолу.
Во времена позднего Средневековья более популярными становятся парные танцы. При этом наблюдается большее разнообразие композиционного рисунка, поэтому, кроме кругов, появляются линии и шеренги, а композиция в целом приобретает более острый характер. В этот период начинают появляться высокие прыжки, покачивания корпуса, а танцы теперь кроме пения стали исполняться под игру оркестра. В некоторых случаях даже присутствовали элементы игры и пантомимы. Но все средневековые танцы сопровождались многочисленными поклонами в начале и под конец танца.
Шарль Луи Дидло и «Первая русская школа»
Танцевальное искусство изучалось множеством деятелей разных времен. Так, в 1688 г. аббат Мишель де Пюр произвел анализ структуры балета и выделил в самостоятельную единицу танцевальную фигуру, что он отразил в своем труде «Мнения о старинных и новых зрелищах». Позднее попытки изучения структуры и формы народных танцев предпринимали и другие исследователи, в частности Джон Плейфорд, Рауль Фойе. Все их работы исполнили существенную роль в создании обобщенных и систематизированных знаний о танцевальном искусстве, которые были собраны и отражены в книге Ж. Ж. Новерра «Письма о танце». Именно она в дальнейшем стала настольной для множества хореографов, а высказанные в ней идеи нашли свое продолжение в работе Ш. Л. Дидло и других ведущих хореографов.
Именно Ш. Л. Дидло, родившийся в семье французских танцовщиков, являющихся частью шведского Королевского оперного театра, стал тем человеком, который подарил русскому балету мировую известность в начале XIX века. Этот балетмейстер-француз создал базу для формирования своеобразного стиля русского балета. Он стал главой Петербургской балетной труппы Российских императорских театров в 1801 г., а его дебютным спектаклем стал «Аполлон и Дафна», который он готовил на протяжении полугода.
Дидло снискал репутацию гениального хореографа. Он широко использовал выразительность и эмоциональную насыщенность женского танца, а воспитанные им танцовщицы превозносились на уровне крупнейших западных прославленных танцоров-мужчин. Хореограф требовал от танцоров артистизма и строгой логики действий. Он резко критиковал виртуозность ради нее самой, ведь был уверен, что зритель может понять суть балета и оценить всю глубину страсти за счет передачи эмоций лицом артистов. Поэтому он всегда стремился создавать такие постановки, в которых танцы передавали чувства и характеры действующих лиц, а выразительные движения и яркая мимика замещали словесное выражение мыслей, что в комплексе дарило цельность эстетического впечатления. Это и легло в основу создания русской школы балета.
Дидло заменил ранее принятые парики, шиньоны, кафтаны, тяжелые башмаки легкими и удобными трико и газовыми туниками. Это позволило танцорам совершенствовать собственное мастерство, что было крайне важно для Дидло. Отличительными чертами его постановок стали:
полеты;
пантомимная игра;
выразительность, техничность исполнения;
равное значение женских и мужских ролей в танце;
использование последних инженерных разработок при оборудовании сцены.
Поскольку танца на пальцах еще не было, Дидло много внимания уделял воспитанию апломба, т. е. длительной выдержки неподвижной позы на полупальцах на одной ноге. В то же время на постановки Дидло сильное влияние оказала русская народная пляска. Поэтому за 30 лет работы этого балетмейстера в России создался именно тот вид танца, который был назван первой русской школой классического танца. Ее постановки отличались легкостью, законченностью мысли. Они были полны эмоций и благородства, а также наполнены пластикой русской женщины.
Обучение в школе продолжалось 8—9 лет. Преподаватели подолгу тренировали воспитанников на менуэте, поскольку он позволяет выработать королевскую осанку, красивый поклон, грацию при протягивании руки и пр. Также в тот период танцевали и экосез, французскую кадриль, фанданго, вальс, гросфатер, котильон, мазурку, аллеманду, венгерку и др.
При Дидло были созданы новые виды вращательных движений, появились первые элементы парного танца, которые в будущем трансформируются в адажио. В то же время женский танец не просто обогащался за счет мужского, но и сумел вытеснить его на 2-й план. Это стало возможным за счет новой стилистики, построенной по мотивам античной живописи и ваяния. А в 1808 г. Дидло ввел в балет положение на пальцах. Именно это имело колоссальное значение для развития женского русского балета и дало возможность женщине получить лидирующее положение в балете.
Таким образом, Дидло произвел настоящий переворот в мире хореографии. Именно благодаря ему из репертуара русского балета удалось вытеснить иностранные труппы, столь часто приглашаемые ранее дирекциями театров. При этом балетмейстер не любил ставить чужие балеты и всегда отдавал предпочтение собственным постановкам. Он ежегодно придумывал 2 или даже 3 балета. В них всегда наблюдалась абсолютная гармония между пантомимой, пластикой движений, мимикой, что весьма ценилось зрителями. И уже к концу 1830-х гг. русский балет вошел в эпоху романтизма.
Эпоха романтизма в русском балете
С разгромом декабристов во всем наблюдался застой. Всякое свободомыслие было наказуемо и тщательно подавлялось правительством Николая I. Но уже в то время за высокий уровень профессионализма русский балет считался одним из лучших в Европе. Но из-за происходящих в стране изменений его развитие и приближение к романтизму застопорилось.
В это время просветительскому идеалу, базирующемуся на подражании природе, противопоставлялось 2-плановое отражение действительности, пропагандирующее романтиками. Таким образом, в искусстве наблюдалось противоборство отражения реального быта и идеального мира, придуманного и взлелеянного художником, который был значительно лучше действительности.
В эпоху романтизма стали значительно больше внимания уделять духовной жизни человека, что потребовало создания новых выразительных средств. Продуктом изысканий стало обогащение пантомимы изобразительностью живописного порядка, а танец стал единым целым с музыкальным сопровождением, визуально отражая ее выразительность.
Расцвет балетной музыки наблюдался в 1830-х годах. В это время жил и творил Михаил Иванович Глинка, навечно вошедший в историю оперы. Его балетные сцены стали значимым средством действительной, повествовательной и описательной характеристики, они были ярко окрашены симфонической образностью, подтверждением чего стали такие известные и нашим современникам оперы, как «Руслан и Людмила», «Иван Сусанин».
Далеко не все сразу понимали, что музыка балетных сцен в операх М. И. Глинки стала дверью для симфонизации танца и создания танцевально-сценической системы образов, отражающих музыкальную драматургию.
В эпоху романтизма большая часть постановок исполнялась гастролирующими иностранными знаменитостями. А русские танцовщицы имели возможность проявлять себя только в перерывах между ними. При этом в опере стали прибегать к такому приему, как перестановка декораций, а в сказочных действах стали использовать театральные механизмы. Кроме того, стали изменяться и балетные костюмы, причем это происходило в соответствии с меняющейся модой.
Костюм особенно сильно видоизменился на рубеже XVII—XIX веков. В это время отходят в прошлое скрывающие женскую фигуру кринолины, на смену которым пришли платья. В мужской же моде того времени наблюдается отказ от громоздких париков в пользу легких, хотя и затейливых причесок, а также головных уборов. Стало модным носить фраки и обтягивающие панталоны. Что же касается обуви, то башмаки с громоздкими пряжками и каблуками сменили туфли на гладкой и гибкой подошве.
Просмотров 1858